Fondé à Bruxelles en 2013 par Pierre Leguillon, le Musée des Erreurs est une exposition itinérante qui s'installe dans les salles des musées comme un cirque itinérant qui vient en ville et qui repart. Le reste du temps, la collection est stockée dans l'atelier de l'artiste, principalement dans les placards de sa cuisine. La plupart des objets sont fabriqués en série et leur valeur matérielle est négligeable : cartes postales, pochettes de disques, affiches grandes et petites, pièces de tissu, céramiques, art populaire, dessins d'enfants et autres objets divers.
L'ouvrage rassemble également des objets jugés trop petits, trop fragiles ou trop insignifiants pour avoir été exposés, ainsi que des photographies de scènes de rue quotidiennes qui éclairent les différentes facettes de la collection. Qu'ils soient signés ou anonymes, ces objets défient toute prétention d'autorité à une époque où la culture visuelle est partagée sur les médias sociaux et sur le web, sans distinction de valeur matérielle ou esthétique, souvent sans légendes et, trop souvent, avec des attributions erronées. Pour Leguillon, le tri et le remaniement constants des objets nous aident à revisiter les interprétations conventionnelles et à subvertir, avec une bonne dose d'humour, le genre de « prêt-à-porter » culturel que tant de musées nous servent aujourd'hui. Des essais de Patricia Falguières et Morad Montazami situent le Musée des Erreurs dans la tradition des musées d'art et du phénomène d'appropriation culturelle, tandis que Carrie Pilto rédige des légendes en style libre en commentaires des objets présentés.
Pierre Leguillon (né en 1969 à Nogent-sur-Marne, vit et travaille à Paris) est un artiste, curateur et auteur connu pour avoir transformé le diaporama en une forme performative poétique, subtile et teintée d'humour. Ses « Diaporamas » - composés de clichés pris par l'artiste - proposent par le biais de connexions d'images inattendues de nouveaux systèmes de classifications. Leguillon réalise également des assemblages ainsi que des dioramas énigmatiques explorant le travail et la vie d'artistes tels que Marcel Duchamp, Diane Arbus, Ad Reinhardt, George Ohr et Jean Dubuffet. Son travail a été montré dans des institutions tels que le Moderna Museet (Malmo, Sweden, 2010), Musée du Louvre (Paris, 2009) et Artists Space (New York, 2009). Il a édité Sommaire entre 1991 et 1996, et ses textes ont parus dans Purple, Artpress et Le Journal des Arts.
Le soulèvement de la jeunesse, aujourd'hui simplement appelé « les années 60 », a été alimenté par l'un des plus grands booms de l'histoire de l'édition. L'Underground Press Syndicate (UPS) a commencé comme une confédération de cinq journaux en 1966, et en quelques années, il a fédéré plus de 500 titres à travers le monde, touchant des millions de lecteurs. Ils se sont « répandus comme de la mauvaise herbe », a déclaré Tom Forcade, directeur de l'UPS, marchand de mauvaises herbes et futur fondateur de High Times. La métaphore était appropriée : l'UPS a impulsé le mouvement de légalisation, et l'herbe est devenue son totem.
L'herbe était si répandue qu'elle est devenue un prétexte utile pour les agences gouvernementales pour sévir contre l'UPS. La weed est devenue l'emblème des groupes d'activistes, et a ajouté une touche de style aux titres de l'UPS. Elle a envahi les pages de l'UPS, les trous dans le texte étant remplis d'illustrations ponctuelles inspirées par la marijuana.
Heads Together rassemble ces dessins, mettant en lumière des noms moins connus dans le canon de l'art du stoner, et beaucoup de ceux qui n'étaient pas des noms du tout, car aucune signature n'était attachée. Il compile également des guides de culture de l'herbe de l'époque, qui étaient traités comme de la contrebande par la CIA. Les papiers à rouler psychédéliques à vocation militante sont également présentés.
Alors que la légalisation de la marijuana progresse rapidement aux États-Unis et ailleurs, son statut autrefois sulfureux prend un relief étrange. Les profiteurs du marché de l'herbe d'aujourd'hui ne reflètent pas ceux qui se sont battus pour la légalisation, ni les populations noires et latinos qui ont été stratégiquement criminalisées pour l'herbe bien avant que les hippies ne soient pris pour cible, et bien après.
La production graphique rassemblée dans ce livre témoigne d'une époque où le pot était fumé avec optimisme, comme quelque chose de potentiellement bon pour la société et les gens, capable d'activer une transformation profonde face à des forces corrompues et puissantes.
Une archive visuelle du mouvement : la collection de photographies de mouvements corporels, de gestes et d'expressions faciales rassemblées par la danseuse, enseignante et thérapeute Suzanne Perrottet, l'une des co-fondatrices de la danse expressive moderne, innovatrice dans le domaine de l'instruction de la danse et l'éducation du mouvement musical et rythmique, proche de Dada Zurich.
Suzanne Perrottet (1889-1983) a grandi à Genève, étudié la rhythmique avec Émile Jaques-Dalcroze et enseigné à Hellerau, où Mary Wigman a été une de ses élèves. En 1912, elle rencontre le danseur, chorégraphe et théoricien Rudolf von Laban, s'installa avec lui dans la colonie d'artistes de Monte Verità près d'Ascona et ensuite à Zurich où elle se produisait lors des soirées dada. L'été de 1913 marque un vrai tournant sur Monte Verità! Avec Laban, Wigman et d'autres, Perrottet découvre le pouvoir expressif des mouvements et gestes naturels, du son et des mots. C'était la naissance de la danse moderne.
Tout le monde devait pouvoir profiter de l'esprit du mouvement naturel, le but était de libérer le corps et l'esprit.
En 1920, Perrottet fonde une école à Zurich. Non contente d'y avoir enseigné à des danseurs, acteurs, enfants et adultes, y compris à des personnes présentant des handicaps physiques ou psychiques, elle se consacra à la recherche, intense et ininterrompue. Pour pallier au manque de littérature disponible dans ce nouveau domaine, elle commença à découper des images de mouvements, de gestes et d'expression physique dans des magazines. En 60 ans, elle a amassé une archive de plus de 10 000 images, qu'elle a classées par catégories. Suzanne Perrottet a continué de travailler jusqu'à ses 89 ans. Après sa mort, ses cartons à bananes remplies de coupures ont été oubliées. Redécouvertes à l'intérieur de ce livre, elles offrent un aperçu sur une collection unique - une archive visuelle du mouvement.
Le premier chapitre de la spectaculaire série de projets de Taiyo Onorato et Nico Krebs intitulée FUTURE interroge la manière dont l'évolution de notre représentation de l'avenir au cours des dernières décennies affecte notre perception du présent et conditionne nos réactions aux changements en cours.
Recréées par Taiyo Onorato et Nico Krebs pour la plupart à partir de documents d'archives, les images de ce livre illustrent le fait que toute vision ou représentation de l'avenir est nécessairement un collage d'images tirées du passé.
En utilisant une combinaison de photographies analogiques grand format et de diverses technologies laser à commande numérique, les artistes ont créé un monde visuel qui emprunte à la science-fiction et adopte une approche associative d'un monde émotionnel oscillant entre l'optimisme de l'enfance des artistes et le dystopisme de l'époque actuelle.
Cet ouvrage regroupe une collection de photographies d'enfance de personnalités des arts, de la littérature, du sport, de la politique et du crime. Un « Qui est-ce ? » du XXe siècle en devenir.
Le premier ouvrage rassemblant l'iconographie éclectique de musiciens de jazz, de boxeurs, d'icônes noires américaines et d'amis du peintre new-yorkais.
A Few of My Favorites est le premier recueil d'oeuvres d'Armando Alleyne. Il a peint et collé des interprétations de musiciens de jazz, de chanteurs afro-latins, de boxeurs, mais aussi de membres de sa famille et de connaissances. Parallèlement à sa pratique incessante de la peinture de portraits d'icônes noires, Alleyne laisse des éléments de son expérience vécue prendre forme dans son travail. Des séries telles que Shelter Blues illustrent son expérience directe du sans-abrisme. Une autre série, Maria's Song, convoque un panthéon de symboles religieux pour rendre hommage à la soeur qu'il a perdue à cause du sida. On trouve également des peintures érotiques que l'artiste a réalisées à partir de publicités de magazines et de modèles qu'il a mis en scène. Ne renonçant ni au sensuel ni au politique, l'ensemble des peintures d'Alleyne raconte comment nous sommes déterminés par notre ville et comment nous pouvons y chercher les outils pour guérir. Les oeuvres sont présentées aux côtés d'une série d'instantanés et d'anecdotes personnelles qui évoquent les oeuvres vendues et les personnes qui ne sont plus parmi nous.
Le sixième livre de photographie de l'artiste américano-ukrainienne présente une série consacrée à la fête folklorique ukrainienne Malanka, célébrant le Jour de l'an selon le calendrier julien.
Comme toutes les oeuvres de Yelena Yemchuk, Malanka est personnelle, féminine, surréaliste et touchée par un sort. La tradition éponyme est un rituel folklorique préchrétien, fortement incantatoire, qui a lieu le 14 janvier, l'ancien Nouvel An dans le calendrier julien. Elle est célébrée par les Roumains de l'ouest de l'Ukraine et ses origines sont largement inconnues.
Yemchuk s'est rendue à Crasna (Krasnoilsk en ukrainien) en 2019 et 2020 pour documenter ce festival nocturne. Par essence, Malanka consiste à chasser l'hiver et à stimuler l'apparition du printemps, une coutume ancienne qui rappelle le retour de Perséphone dans la mythologie grecque. Pendant qu'elle photographiait à Crasna, Yelena Yemchuk a également réalisé un court-métrage qui a été présenté pour la première fois lors de son exposition personnelle au Musée ukrainien de New York, en 2023. Le film met en scène l'artiste ukrainienne Anya Domashyna et l'acteur américain Ebon Moss-Bachrach.
Malanka comprend un essai poétique de la journaliste culturelle roumaine Ioana Pelehatai.
Première édition anglaise d'un ouvrage colossal dédié au cinéma de Pasolini, publié pour la première fois dans les années 1980 en Italie : 2000 images extraites des films du réalisateur italien, organisées selon les catégories « corps » et « lieux », accompagnées d'analyses et d'une compilation de textes de Pasolini. Placé sous le signe de l'appropriation, ce livre pasolinien dans le fond et la forme est un outil de recherche indispensable. Avec le texte italien original.
« C'est peut-être parce que je ne suis pas un très bon dessinateur, le collage semble être une approche plus naturelle pour esquisser et développer des idées. Je fais du copier-coller et j'utilise ma photocopieuse comme un moyen rapide d'expérimenter et de développer des idées. Mon travail consiste à trouver, échantillonner, s'approprier des images et des sons, et à les transformer. L'image trouvée est généralement ce qui déclenche un processus de pensée - la formulation d'idées ou simplement la réaffirmation de pensées latentes. C'est un moyen de médiatiser instantanément une image et de prendre un peu de distance par rapport à elle. Les accidents sont aussi souvent révélateurs. Comme l'appareil photo ou tout logiciel de montage vidéo, la photocopieuse n'est qu'un outil parmi d'autres. » Christian Marclay Les centaines de photocopies en noir et blanc très contrastées compilées par Christian Marclay sont comme des griffonnages dans un carnet, les premières étapes d'expérimentation vers des oeuvres plus abouties, et offrent ainsi un aperçu du processus de création de l'artiste. Ce livre rassemble les sources qui ont alimenté la pratique de Marclay au cours des dernières années. Il a été conçu en étroite collaboration avec Laurent Benner, graphiste ayant travaillé avec Marclay sur plusieurs autres livres et pochettes de disques et partageant une sensibilité commune.
Consacrée à un aspect moins connu de Walter Pfeiffer, cette grande monographie explore les travaux graphiques du renommé photographe suisse : dessins au crayon, à l'encre de Chine et aquarelles, caractérisés par une sensualité joyeuse qui émane de ses portraits d'intimes et de ses natures mortes fleuries.
Première monographie d'envergure consacrée à une figure importante de l'art brut, l'inventeur de machines volantes Gustav Mesmer. Cette publication revient sur son parcours et son oeuvre à travers des essais en français de Lucienne Peiry, Juliane Stiegele et Franz Xaver Ott, ainsi que 400 illustrations en couleur (reproductions des oeuvres sur papier et des manuscrits, photographies des machines, sculptures et instruments).
Gustav Mesmer (1903-1994), surnommé l'« Icare de Lautertal », est né en 1903 dans le village d'Altshausen, en Haute-Souabe (Allemagne). Il quitte l'école très tôt pour travailler dans des exploitations agricoles. Il entre ensuite dans un monastère bénédictin. Il passe six ans à l'abbaye de Beuron, avant d'être renvoyé après être tombé malade. De retour à Altshausen, sa ville natale, il fait irruption dans une église et proclame que la religion est une fraude. Diagnostiqué schizophrène, il est interné à l'hôpital psychiatrique de Bad Schussenried où il s'occupe en suivant des ateliers de vannerie et de reliure.
En 1932, il découvre dans la bibliothèque de l'hôpital un article sur l'invention d'un vélo volant. Cette obsession le suit alors toute sa vie. Il décide de construire des bicyclettes volantes à propulsion humaine, censées pouvoir voler. Son répertoire d'inventions comprendra également d'autres engins volants, des machines parlantes et des instruments de musique. Outre d'innombrables croquis, dessins et schémas, il écrira de la poésie et de la prose.
Son oeuvre est un monde inépuisable, maintenant accessible au public. Gustav Mesmer est décédé en 1994. Il est désormais considéré comme une figure exceptionnelle de l'art brut.
Après son immersion dans les sphères du pouvoir, Christian Lutz s'introduit dans l'univers des casinos : à la suite de son projet Insert Coins (2016), consacré au déclin de Las Vegas, le photographe genevois se penche sur le consumérisme chinois dans les casinos de Macao, nouvelle capitale mondiale du jeu depuis une quinzaine d'années, univers de l'argent, du luxe et du simulacre. Lutz scrute les surfaces lisses et aseptisées de ce nouveau monde dans lequel apparaissent les premières fissures, en s'inscrivant dans une tradition de photographie documentaire humaniste tout en développant une esthétique hyper maîtrisée et une narration cinématographique.
Un portrait du couple d'architectes designers suisses qui dévoile leur univers intime et leur rapport à l'art.
Trix et Robert Haussmann, travaillant et vivant ensemble depuis les années 1960, sont célèbres en Suisse et à l'international pour leurs réalisations exubérantes dans les domaines du design et de l'architecture d'intérieur. Les Haussmann ont entretenu des liens étroits avec l'avant-garde de leur temps, ont suivi les différentes tendances et courants artistiques et ont participé activement aux scènes locales de Zurich ou de Berne.
En documentant leurs nombreux échanges et conversations avec des artistes et personnalités du monde de l'art, ce livre témoigne de leur intérêt de longue date pour les arts visuels et de leur implication active, enthousiaste et ludique dans la scène artistique suisse. Une conversation avec l'auteur et commissaire suisse Dieter Schwarz révèle lève le voile sur les rapports qu'entretient le couple avec l'art, qu'ils ont collectionné de manière intuitive et sans réelle stratégie tout au long de leur vie. Les nombreux documents photographiques de leurs propres intérieurs, qui couvrent presque cinq décennies et plusieurs maisons, sont exemplaires à la fois de la manière particulière dont Trix et Robert Haussmann accueillent les oeuvres d'art dans leur vie quotidienne, à côté de leurs meubles - y compris les leurs - et de leurs divers objets d'art, ainsi que de leur utilisation très personnelle et ludique des miroirs.
Luxueuse monographie rétrospective du peintre et dessinateur suisse : 250 oeuvres sur papier (dessins à l'encre, au crayon, au stylo et aquarelles) couvrant plus de trois décénnies d'exploration du potentiel graphique de la ligne.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Kunstmuseum de Lucerne en 2022.
Une vie, entre art et cinéma : l'autobiographie visuelle d'une figure pivotale du cinéma en Suisse et en Europe en quelque 300 images tirées de l'incroyable collection de photos de films de Matthias Brunner, des classiques hollywoodiens aux films d'auteur, et de reproductions d'oeuvres d'art contemporain, qui nous fait entrer dans l'intimité de Fassbinder, Waters, Warhol et bien d'autres.
Les biographies peuvent être aussi variées que les vies humaines. Magnificent Obsessions Saved My Life est cependant un cas à part, un genre très particulier d'(auto)biographie qui retrace les étapes et les tournants de la vie d'un artiste d'après-guerre issu d'une famille dysfonctionnelle, avec pour toile de fond les expériences de libération sexuelle de sa génération 68 et son expérience trop personnelle de deux pandémies mortelles : le SIDA et le Covid-19. Mais ces éléments biographiques et historiques de la vie de l'artiste sont mis en avant dans un dialogue permanent avec les classiques hollywoodiens, les films d'auteur et l'art contemporain. Car une oeuvre d'art cinématographique ou visuel n'est rien si elle ne vous parle pas de votre propre vie : le cinéma et l'art parlent toujours de ce qui a été et de ce qui aurait pu être, de ce que nous sommes et de ce que nous voudrions être. Magnificent Obsessions aborde ces questions existentielles par le biais de textes et d'images, notamment des sélections de l'impressionnante collection de photos de films de Brunner et des reproductions de ses oeuvres d'art préférées. Il examine comment le monde a changé, en particulier les voyages, les hôtels et les expositions, depuis le milieu du XXe siècle, quels vêtements et coiffures les gens portaient alors et portent aujourd'hui.
Comme dans les films, les gens sont au centre des des écrits de Brunner, parfois d'une franchise mordante et pourtant affectueux, presque tendres. Lorsqu'il perd l'amour de sa vie, le marchand d'art suisse Thomas Ammann, emporté par le sida, il écrit sur leur bonheur commun pour ne pas être rongé par le chagrin. Il se souvient de la glamour Elisabeth Bossard (Thema Selection), son amante de longue date, et raconte des anecdotes d'un flirt à Venise avec Edmund White, l'écrivain américain qui devint son ami. Il raconte sa relation d'amour-haine avec le cinéaste suisse Daniel Schmid, avec des aperçus intimes des cinéastes allemands défunts Reiner Werner Fassbinder et Werner Schroeter, de leurs oeuvres et de toute la scène qui les entourait.
La vie de Brunner est marquée par deux constantes : un désir d'évasion artistique et une volonté généreuse et inlassable de partager ses obsessions avec les autres. C'est Brunner qui a très tôt fait venir en Suisse les films de ses amis John Waters et Andy Warhol, en contournant la censure. Sans cela, ces films n'auraient pas été vus - ou seulement beaucoup plus tard, avec l'avènement de l'Internet. Brunner connaissait les côtés lumineux et sombres de l'usine à rêves, mais il était toujours prêt à succomber une fois de plus à son Imitation of Life, comme Douglas Sirk a intitulé l'un de ses grands mélodrames.
Une série de sculptures en bois réalisées par le pionnier du pop art japonais dans les années 1980, récemment redécouvertes.
Les sculptures en bois découpé de Tanaami rappellent des jouets d'enfants et rompent de manière inattendue avec le style habituel de l'artiste. Elles forment un monde obscur d'objets évoquant les figures gelées de ses premiers films qui relient l'esthétique de la publicité américaine avec des souvenirs fragmentés de la deuxième guerre mondiale. Aujourd'hui ces sculptures singulières rappellent des créatures de jeu vidéo, des maquettes d'architecture fantastique et le design post-moderne, tout en maintenant un rapport à l'artisanat traditionnel japonais.
Ouvrage photographique retraçant le voyage en automobile des deux artistes depuis la Suisse jusqu'à la Mongolie, à travers les territoires mystiques de l'Est.
En avril 2013, les photographes et proches collaborateurs Nico Krebs et Taiyo Onorato sont partis de Suisse avec leur Toyota Land Cruiser de 1987, direction l'est et leur ultime destination, la capitale de Mongolie, Oulan-Bator. Parcourant les paysages d'Eurasie et d'Asie centrale, Nico Krebs et Taiyo Onorato ont photographié de nombreux territoires inconnus, pris en tension entre des traditions millénaires, l'héritage soviétique et la dissémination anarchique du modèle capitaliste. Une confusion identitaire que les deux artistes parviennent à rendre palpable à travers leurs photographies. Continental Drift est le deuxième ouvrage publié par Taiyo Onorato et Nico Krebs aux éditions Patrick Frey, après The Great Unreal, compte-rendu d'un voyage au coeur des États-Unis.
Au coeur de New York, un loup-garou prophète du jugement dernier et un messager de l'apocalypse se retrouvent mêlés à un affrontement entre le peuple, le gouvernement et Dieu. Le dessinateur Mark Thomas Gibson interroge, dans ce livre imposant de plus de 300 pages grand format, dessiné à la main jusqu'au colophon, la disparition des utopies aux États-Unis au travers d'un récit à l'esthétique minimaliste qui réunit les langages visuels de la peinture et de la bande dessinée, qui mêle aussi l'exaltation et le désespoir, à la manière d'un Raymond Petitbon.
Mark Thomas Gibson (né en 1980 à Miami, vit et travaille à New Haven) est un dessinateur et un peintre. Il est également professeur à la Yale School of Art.
Cette publication extraordinaire sous coffret rassemble une sélection d'images d'archives et de photographies provenant de publicités issues de sites spécialisés dans la vente de stupéfiants sur le darknet. Imprimées à l'encre invisible, les images ne peuvent être vues à l'oeil nu et nécessitent l'emploi d'une lampe de poche ultraviolette, incluse avec l'ouvrage.
Internet peut être considéré comme un iceberg : la pointe émergée est ce que l'on appelle le Web surfacique, le terrain numérique que nous connaissons et sur lequel nous naviguons au moyen des moteurs de recherche, des réseaux sociaux, etc. La partie submergée, environ 90% de l'iceberg, est ce que l'on appelle le Web profond : un réseau crypté et en constante évolution, garantissant l'anonymat total, hors de portée des instruments de recherche traditionnels. Ce darknet est un no man's land sans loi, accessible uniquement à l'aide de logiciels spécifiques. Intraçable, il est le lieu de prolifération des activités illicites, et notamment de contrebande.
Les photographies présentes dans ce volume, tirées des sites de ventes de produits illicites présents sur le Web profond, ne peuvent être vues que sous une lumière ultraviolette - la même utilisée par les brigades des stupéfiants pour déceler les traces de drogues.
Des années 1970 jusqu'à sa mort en 2000, le scientifique, artiste et collectionneur Andreas Züst a séjourné de nombreuses fois au Groenland, photographiant la glace sous ses formes les plus diverses. Cette publication rassemble une sélection issue de cette vaste série.
Toute sa vie, Andreas Züst a été fasciné par les phénomènes naturels. Dès son enfance, il prenait stoïquement note des conditions météorologiques trois fois par jour. Plus tard, alors qu'il était étudiant en glaciologie, il a passé des mois entiers à Thulé au Groenland à forer des carottes de glace et à y réaliser d'innombrables diapositives de ses travaux de recherche. Le corpus du matériau photographique qui en résulte donne à voir la glace sous une multitude d'aspects différentes et échappe à toute détermination, du blanc des paysages de glace infinis et des cristaux de glace sur une fenêtre au bleu éclatant, d'un ours polaire regardant dans l'appareil photo sur une plage couverte de glace à un camp de base de recherche sous la lumière de la pleine lune. La lueur bleue opaque de la glace (que l'on peut voir dans un diaporama) incarne l'aura de ces images évocatrices de l'autre monde. L'histoire de la glace et celle de la vie et du travail d'un glaciologue sont racontées séparément dans Pursuit of Wonders, mais sont liées par l'atmosphère qui émane de ce voyage surréaliste à travers un monde de glace, complété par les contributions des artistes Peter Mettler, ami de Züst, Jimena Croceri et Sarina Scheidegger, ainsi que de Kris Decker, chercheur en histoire et théorie des sciences.
Publié à l'occasion de l'exposition « Eis » au Kunstmuseum Luzern, Suisse, du 25 septembre au 29 novembre 2020.
Livre d'artiste.
Où suis-je est une collection de dessins de paysages architecturaux provenant des souvenirs d'enfance d'Anne-Lise Coste : des images mentales des hôpitaux et des infirmeries où elle résidait enfant pour traitement asthmatique, images dont les détails sont sélectionnés, réagencés et rendus abstraits par la mémoire. Où suis-je constitue une clé pour comprendre le travail d'Anne-Lise Coste, non pas seulement pour sa dimension autobiographique, mais parce qu'il révèle la manière dont l'artiste utilise la ligne et le texte pour interroger mener une réflexion sur les notions de perte, de nostalgie et de lieu.
Possédant l'énergie et l'immédiateté du graffiti, les dessins et les textes d'Anne-Lise Coste (née en 1973 dans la région marseillaise, vit et travaille à New York après avoir vécu à Marseille et Zurich), qui lui permettent de conjuguer, avec une même puissance poétique, l'expression d'émotions subjectives, d'une critique sociale virulente et d'une sensibilité littéraire prononcée, proche de Dada, peuvent se lire comme une recension des angoisses contemporaines.
