It was in 1978, during my first summer of making portraits while using an 8x10 inch large format camera, that I found myself drawn to photographing redheads.
I have often been asked; 'why redheads,' and I've often felt it was because in summer redheads seem to bloom in the sun more gloriously than the rest of us. But it also might have been my living far out on the tip of Cape Cod, surrounded by all the blue light of sea and sky, which made me pay more attention to the flamboyant qualities of redheads. Their hair and the exotic markings of their skin in sunlight became even rosier and more astonishing in that blue atmosphere.
Redheads, like film itself, are transformed by sunlight. It seems natural to me now that I would have paid attention to this new phenomenon as it appeared within the larger subject of the Cape itself. After making more than 50 portraits that first month, in which at least 30 were of redheads, I understood that this was an impulse to be taken seriously.
I ran an ad in the local paper, the Provincetown Advocate: "REMARKABLE PEOPLE! If you are a redhead or know someone who is, I'd like to make your portrait, call...." They began coming to my deck, bringing with them their courage and their shyness, their curiosity and their dreams, and they shared their stories of what it was like to be a redhead. They spoke of the painful remembrances of childhood, the violations of privacy and name calling-"Hey, red," "freckle face," "carrot head." They also shared with me their sense of personal victory at having overcome this early, unwanted celebrity, and how like giants or dwarfs or athletes they had finally grown into their specialness and by surviving had been ennobled by it. You could say that they had been baptized by their own fire, and that their shared experience had formed a "blood knot" among them. I had begun making portraits with the intention of photographing ordinary people. But redheads are both ordinary and special.
Their slender slice of the genetic pie accounts for only 2 or 3 percent of the world's population. As different as redheads are in terms of nationality and religion, they often give the appearance of a strong familial connection.
My way of making portraits is not by getting down on my hands and knees, nor climbing high on a ladder, nor getting into bed with a celebrity, but simply standing eye to eye with anyone has found their way to me, young or old. I need only one or two sheets of film and the patience to see it through.
This new edition of 'Redheads' will have a number of new and previously unseen portraits.
ToiletAlex PaperPrager est la nouvelle édition du magazine Toilet Paper, née d'une collaboration avec l'artiste, photographe et réalisatrice américaine Alex Prager : un dialogue vibrant dans lequel le style ironique de Toilet Paper rencontre l'humour noir d'Alex Prager, un défilé d'images à la fois familières et étranges, suggérant un monde intemporel situé quelque part entre le rêve et la réalité.
Le magazine ToiletAlex PaperPrager est un projet original né de la rencontre entre l'univers visionnaire de Toilet Paper et l'imagerie troublante d'Alex Prager. Le magazine présente douze images d'Alex Prager et douze images conçues par Toilet Paper : l'esthétique séduisante, les couleurs vibrantes et les déviances visuelles caractéristiques de Toilet Paper enrichissent l'univers de Prager, et réciproquement. L'exploration par l'artiste de la frontière délicate entre réalité et fiction, à travers son mélange unique d'archétypes, d'objets quotidiens, d'humour et d'allégories, forme le coeur d'un voyage captivant et énigmatique.
Ce nouveau magazine s'inscrit dans la continuité de ToiletMartin PaperParr, une publication spéciale qui a rassemblé en 2018 les images les plus emblématiques des archives prolifiques de l'artiste mondialement célèbre Martin Parr et du duo Cattelan-Ferrari.
Maurizio Cattelan has exhibited internationally in leading institutions and has participated in the Venice Biennale numerous times. He curated the 4th Berlin Biennale with Massimiliano Gioni and Ali Subotnick. Cattelan also conceived the art magazines Permanent Food and Charley. After the acclaimed 2011 retrospective at the Guggenheim Museum in New York City, he has committed himself to publishing Toiletpaper magazine.
Le vingtième numéro du magazine surréaliste et provocateur conçu par Maurizio Cattelan et Pierpaolo Ferrari présente vingt-neuf nouveaux tableaux vivants oniriques (ou cauchemardesques), une collection de photographies scabreuses, drôles, absurdes et déviantes qui interroge notre obsession contemporaine pour les images.
Joel Meyerowitz is one of the pioneers of color photography, as well as an essential reference figure for street photography, large-format photography, and portraits. The Pleasure of Seeing is his first biography, the book offers a look behind the scenes of the life and career of one of America's photographic living legends. In conversation with historian and photographer Lorenzo Braca, Meyerowitz speaks vividly about his beginnings, studying art history, meeting Robert Frank, photographing on the streets of New York City with Tony Ray-Jones and Garry Winogrand, traveling extensively across America and Europe, learning from John Szarkowski, director of photography at MoMA, working on numerous exhibitions and publications, photographing at Ground Zero in 2001 and 2002, and about the most recent still lifes and self-portraits projects. The book contains over one hundred pictures, including Joel's most iconic photographs as well as new and previously unpublished material. This comprehensive visual biography testifies to the author's continuing evolution throughout the six decades of his career and discusses his work in relation to his personal life, to the history of photography, and to the incessant transformation of the medium. Meyerowitz reveals anecdotes, personal memories, and the story behind many of his famous photographs.
This Is My Life I'm Talking About est l'histoire d'une amitié avec le grand héros américain John Lewis. Danny Lyon la raconte en images avec une grande sensibilité et beaucoup d'humour, à travers une sélection de photos dont la plupart sont inédites. Son histoire commence en Russie sous le tsar, lorsqu'en 1905 l'oncle de Lyon, Abram, est impliqué dans le meurtre d'un policier lors d'un pogrom et s'enfuit à Brooklyn, où, pendant la Seconde Guerre mondiale, Lyon est né.
Michael Christopher Brown a suivi pendant plusieurs jours le cortège funèbre de Fidel Castro, l'ancien révolutionnaire et chef d'Etat cubain, à la fin de l'année 2016. Le photographe s'est penché depuis la fenêtre de sa voiture, côté passager, pour photographier les Cubains massés le long de l'autoroute, attendant de voir passer le convoi militaire chargé d'acheminer les cendres de Castro de La Havane à Santiago. L'ensemble de ses photographies est exposé aux Rencontres d'Arles en 2018.
Into the Wild book is an important book for Spring 2022 as it depicts people choosing an alternative lifestyle of living for surf rather than living to work due to social economic pressures. To them surf is a way of life and they love to drive their cars to where the best waves are, sleep overnight and wake up to surf the best waves. Sometimes they even surf at night during the full moon periods. This is a definite change of mentality of the younger generation right now - the youth who choose to live in the moment and enjoy an alternative lifestyle.
This is a book about surfing and speaking to surfers. The journalist who is interviewing the surfers is a surfer himself and works for Stab Magazine - a well respected surf magazine based in LA that has a big online presence. They also plan big surf events and competitions so its very good for promotion to have their support.
Cet ouvrage présente les travaux de Valérie Belin réalisés entre 2007 et 2013, notamment les séries Corbeilles de Fruits, Lido, Ballroom Dancers, Vintage Cars, Têtes Couronnées, Black-Eyed Susan I et II, Décors, Mariées, Bob, Intérieurs ainsi que Still Life ou All Star. On y trouve également des vues d'exposition et des images de sa performance Comment devient-on Michael Jackson ? présentée au Centre Pompidou en 2004.
Publiée par Damiani, cette édition de Wild Flowers est une version éditée et mise à jour de la publication de 1983 de Meyerowitz, son troisième livre devenu un classique dans les décennies qui ont suivi. Comprenant photographie de rue, portraits, natures mortes, paysages, vues urbaines et plus encore, Wild Flowers rassemble des photographies de toute la carrière de Meyerowitz, de 1967 à 2020, toutes florales à leur façon.
Lorsque Lee Quinones, âgé de 14 ans, s'est lancé dans sa première fresque murale à la bombe de peinture en 1974, il a réalisé des dessins au marqueur dans les gares de triage du métro de New York, qui ont servi d'études pour ses fresques murales roulantes de 15 mètres de long. Des dessins, des objets et des photographies du métro illustrent la façon dont l'émergence de Lee Quinones a servi de catalyseur à ce qui est aujourd'hui reconnu comme le mouvement du street art. Avant Lee, l'art du graffiti était accessible à un public restreint de jeunes gens qui admiraient le style et l'échelle. Les images des trains de Lee illustrent la façon dont il a changé le visage du mouvement, en insufflant des éléments cinétiques du futurisme dans plus de 120 peintures murales de wagons de métro à travers le système de transport en commun. Lee a inventé le concept de peinture murale urbaine autoportante avec son emblématique mur de handball Howard the Duck, en 1978. Il a introduit la peinture à la bombe au niveau international lors de sa première exposition officielle à Rome, en 1979, aux côtés de Fab 5 Freddy. Il a influencé ses pairs Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Jenny Holzer, entre autres, que l'on voit en train de regarder le travail de Lee. Lee et Basquiat étaient les plus jeunes artistes à exposer à la Documenta 7. Lee a joué le rôle semi-autobiographique de Zoro dans Wild Style, le premier long métrage sur le hip-hop. Les images font apparaître le commentaire social et la poésie utilisés dans ses premières oeuvres expressionnistes. Les peintures suivantes montrent comment la pratique de Lee a façonné une génération d'artistes contemporains au fur et à mesure qu'il développait sa technique. Les photographies capturent l'ambiance et l'urgence du New York des années 1980, passant de la rue à l'intimité et à la maturité de l'environnement du studio contemporain de l'artiste.
Catalogue en français de l'exposition consacrée à la grande photoreporter au Jeu de Paume (6 février - 20 mai 2018). Cette rétrospective Susan Meiselas réunit une sélection d'oeuvres des années 1970 à nos jours. Membre de l'agence Magnum depuis 1976, Susan Meiselas questionne la pratique documentaire. Elle s'est faite connaître par ses images sur les zones de conflit en Amérique centrale dans les années 1970 et 1980, notamment grâce à la force de ses photographies couleur.
Forty years of transformation and upheaval: compiling Martin Parr's longstanding love affair with Ireland Martin Parr (born 1952) has been taking photographs in Ireland for 40 years. His work covers many of the most significant moments in Ireland's recent history, encompassing the Pope's visit in 1979, when a third of the country's population attended Mass in Knock and Phoenix Park in Dublin, to gay weddings in 2019.
Parr lived in the West of Ireland between 1980 and 1982. He photographed traditional aspects of rural life such as horse fairs and dances, but also looked at the first hints of Ireland's new wealth in the shape of the bungalows that were springing up everywhere, replacing more traditional dwellings. During subsequent trips to Ireland he explored the new estates around Dublin, documented the North and showed how, after the Good Friday agreement, the Troubles became the focus of a new tourist boom.
The final chapter of this book portrays a contemporary Dublin where start-up companies are thriving, the docks area is being gentrified and where icons of wealth and modernity are ubiquitous. Ireland has also now voted to allow both abortion and gay weddings, developments that would have been unthinkable 40 years ago. Parr published a book of his original black-and-white photographs in 1984. A Fair Day had an introduction by Fintan O'Toole, who subsequently became Ireland's leading cultural commentator.
En plus de 90 photographies inspirées des cultures visuelles des pays d'Afrique de l'Ouest, leur mode et leur design, mais aussi leur histoire coloniale, cette première monographie présente le travail de Namsa Leuba, artiste guinéenne et suisse. Elle accompagne la première exposition solo de l'artiste aux Etats-Unis.
Les grandes heures du haut lieu de la scène culturelle underground et alternative du New York des années 1980 : un retour sur l'histoire du Pyramid Cocktail Lounge, plaque tournante des scènes drag, gay, féministe, punk et artistiques en plein essor de l'East Village.
Le Pyramid Cocktail Lounge était pour la scène alternative du centre de New York des années 1980 ce que le Studio 54 était pour le disco. Situé au 101 Avenue A, le Pyramid proposait un mélange de cultures : du théâtre révolutionnaire et irrévérencieux à la musique expérimentale, en passant par l'« anti-drag » qui remettait en question les normes de la binarité des sexes. Tout a commencé en 1981, lorsque l'East Village était considéré comme un no man's land dangereux, que les loyers étaient bon marché, que le sida était encore inconnu et qu'une nouvelle génération de créateurs brisait le moule et continuait à faire de l'art dans une atmosphère de fête débridée. Les soirées à thème et les danseurs de bar, les membres de l'avant-garde du centre-ville et les jeunes fuyant leur passé ont contribué à la popularité du club. Au Pyramid, John Jesurun et Ann Magnuson côtoient They Might Be Giants, les Red Hot Chili Peppers et 3 Teens Kill 4, qui partagaient la scène avec Lady Bunny et Hapi Phace. En offrant un toit à des communautés obscures et défiant les genres, la Pyramide a joué un rôle crucial dans le façonnement de la scène culturelle underground de la ville pour les décennies à venir. En 2021, la Pyramide a fermé définitivement ses portes. Bien que l'espace n'était plus le haut lieu de ses premières années, sa fermeture a ravivé les mémoires et suscité un sentiment de deuil pour une époque révolue, au milieu d'un large regain d'intérêt pour l'art et la culture du New York des années 1980.
Le dix-septième numéro du magazine surréaliste et provocateur conçu par Maurizio Cattelan et Pierpaolo Ferrari présente 22 nouveaux tableaux vivants oniriques (ou cauchemardesques), une collection de photographies scabreuses, drôles, absurdes et déviantes qui interroge notre obsession contemporaine pour les images.
Egalement disponible en édition limitée, accompagnée d'un jeu de cartes de poker personnalisé.
Fondé en 2010 par Maurizio Cattelan et le photographe Pierpaolo Ferrari (Le Dictateur), Toilet Paper est un magazine sans équivalent. Dans le sillage de Permanent Food et de Charley, les projets cultes de Cattelan, Toilet Paper, mi-livre d'artistes, mi-magazine, interroge notre obsession contemporaine pour les images en explorant nos désirs et pulsions les plus indicibles. Constitué exclusivement de photographies, dont chacune est minutieusement construite au sein d'un environnement mental spécifique, Toilet Paper pervertit les codes de l'iconographie médiatique, empruntant à la mode, à la publicité, au cinéma, combinant photographie commerciale, récits visuels tordus et imagerie surréaliste pour créer une série de tableaux saisissants, mélanges de normalité dérangeante et de troublante ambiguïté, devant lesquels l'effroi se mêle au plaisir visuel. oeuvre d'art en tant que telle, Toilet Paper interroge aussi, de par l'accessibilité du format magazine et une large distribution, la nature et les limites du marché de l'art contemporain.
